por DENILSON CORDEIRO*
Comentario a la obra dirigida por Gerald Thomas
“Aquí ya no se ve nada más (…) del verdadero actor que, precisamente en su mayor actividad, es totalmente apariencia y placer en la apariencia”. (Friedrich Nietzsche, El origen de la tragedia.).
La pieza traidor, de Gerald Thomas, interpretada por Marco Nanini, es un mosaico que no encaja, o tal vez sólo lo hace para el director y el dramaturgo. Y quién sabe, qué es menos probable, también para el actor. No hay, en rigor, ninguna trama, sino una secuencia aparentemente caótica de recuerdos, comentarios, críticas, extractos de anuncios publicitarios y arrebatos del personaje, cuya matriz –como se sugiere– son partes de la biografía del propio autor del texto. La vida en Nueva York y la espera de obtener una visa permanente, alojarse en un hotel en Punta Cana, las angustiosas condiciones de vida en Brasil, etc. forman un mosaico de autorreferencia persistente.
El decorado sigue el guión: un montón desordenado de ruinas, objetos, un muñeco gigante que parece un político atado, restos de columnas de hormigón, utilería y un sillón -una especie de trono improvisado, desde el que el actor habla sentado durante gran parte del tiempo-. el juego. . En mitad de la pieza, un conjunto de trapos y fragmentos descienden del techo, en los que destacan tejas de amianto o metal, sin ningún significado ni participación en la amalgama narrativa.
Los trajes son de dudoso gusto, típicos de la cesta felina que convencionalmente se llama “posmoderna”. Son cuatro actores secundarios que se mueven por el escenario, unas veces saltando, otras arrastrándose, componiendo la escena más como parte del decorado o, como mucho, como ayudantes del actor para cambiarse de ropa, beber agua, descansar, etc. Las repeticiones de las líneas del protagonista y los gestos de los personajes secundarios cansan y aburren. Sin embargo, destacan positivamente el diseño sonoro y la iluminación, que forman un espectáculo bello y, por tanto, contrastante en sí mismo.
Se trata visiblemente de una sobreproducción, considerando, como muestra y síntoma, el lujoso programa de la obra, sobre papel cuché, cuatro colores, un diseño y una producción gráfica exquisitos y fotografías profesionales, un aparato del que muy pocas producciones teatrales en la actualidad han podido tener, hasta para temas ambientales. La única justificación para que la obra tenga el atractivo que tiene es el hecho de que reúne a actores y directores famosos, ambos al final de sus carreras. Sin esto, la pieza nacería muerta, porque el árbol, si alguna vez fue fructífero, se ha secado.
Marco Nanini fue degradado a un personaje patético, caricaturizado y vulgar tomado como portavoz de la biografía de Gerald Thomas – es decir, narrador de la fábula de un autoproclamado enfant terrible, que ya no quisiera ser brasileño, vive alrededor del mundo en vagabundeos y aventuras ridículas. La composición pretende incluir elementos programáticamente desconectados, como escenas de anuncios de salchichas, el placer de escuchar música clásica, estudiar El origen de la tragedia., de Nietzsche, el (falso) entusiasmo de participar en una trama policial, de tener una historia trágica, de sufrir con una sensibilidad siempre en vilo. No es un texto que permita al actor mostrar lo que puede y lo que sabe, porque el actor sólo fue utilizado como un accidente de lujo, consumido públicamente como una mercancía espectacular. En definitiva, un perverso cuento antes de dormir.
Pensé por un momento en lo que podría ser particularmente brasileño en términos de concepción y producción de la pieza. No es fácil de distinguir. Supongamos que entre los escombros de la narrativa se pudiera vislumbrar el recuerdo negativo (por usar un eufemismo, porque prevalecen las calumnias, las quejas y las malas palabras) de un actor retirado. Podemos identificar la trama con una glosa sobre el tema literario de lo que podríamos llamar “equilibrio vital”.
Tema que orienta, voluntaria o involuntariamente, cualquier condición de vida que se encamina hacia el final, por tanto, de uso relativamente extendido en las elaboraciones reflexivas y discursivas más habituales y, por tanto, al alcance de cualquiera. Como candidato a obra de arte, sería razonable esperar algo, al menos, más creativo, diferente y, por tanto, con una dosis reservada de sorpresa y una invitación a la sensibilidad del público. Sin embargo, más allá de la carga simbólica de la celebridad que precede al actor y al director, lo que vemos es una secuencia de lugares comunes, en el sentido contemporáneo (¿posmoderno?) de trivialidades o, peor aún, frivolidades.
De la experiencia de haber vivido en Nueva York, lo más destacado fue la dificultad para obtener una visa, un tanto elemental si nos ponemos, como brasileños, en el lugar del narrador. Entonces nada nuevo. De la experiencia de investigación sobre el involucramiento norteamericano con la dictadura en Brasil, nada más que la conocida (y cierta) tesis de que se trató de una asociación. La experiencia de una vida de actuación resulta en la observación banal de alguien que, por tanto, se considera un pozo de sensibilidad.
De la experiencia de leer a Nietzsche destaca un comentario típico del neófito: un nombre difícil de pronunciar o deletrear. Nada sobre lo que sería particularmente Nueva York en cuanto a la cultura estadounidense –aparte del caída de la Bolsa, en 1929, mencionada en la pieza–, por ejemplo. Nada que pueda descubrirse sobre la investigación de archivos, el estudio de la historia, ni sobre la relación entre la representación teatral y la representación social cotidiana.
Ni una migaja sobre las consecuencias que tiene estudiar el origen de la tragedia en cambiar la forma de entender el trabajo del actor o las actuaciones. Este tipo de tratamiento supuestamente original y que resulta en clichés es quizás uno de los rasgos que emana de una tibia condición de vida y reflexión, que en Brasil se acerca al gusto promedio de la clase media supuestamente alfabetizada y su entorno.
No haría falta recordar que existen innumerables obras de teatro notables, pero también novelas, poemas y narraciones, que retoman y desarrollan este tema y esta condición de equilibrio de una vida y que podrían servir de guía e inspiración al autor.
La emulación es un recurso para quienes, sensatos y conscientes de la quimera de la novedad inmediata y de los límites enunciativos de cualquier presente, recurren a los referentes tradicionales para educarse y evitar el riesgo de “reinventar la rueda”, apostando imprudentemente por el acceso inmediato a un Originalidad íntima y auténtica. Incluso y quizás con más razón si el proyecto es concebir intervención y vanguardia, porque sin saber a qué se opone, el efecto casi siempre resulta en tópicos y, no pocas veces, en disparates. No habría Shakespeare ni Beckett si se hubieran considerado, ante todo, “genios” independientes de cualquier tradición.
Si, por el contrario, la obra pretendía ser en realidad un manifiesto estético, una renovación del arte escénico, y esto implicaba una fórmula tan audaz y disruptiva que no sería posible entenderla sin la suficiente erudición, entonces, una vez más, como presentación para un público casi ilimitado, además, por supuesto, de la censura de la presencia de niños, el resultado sería un espectáculo en código para principiantes, que requeriría criterios de selección más rigurosos en la composición del público, en la definición de los atractivos publicitarios y, por tanto, de algo de la naturaleza misma del teatro.
Si pretendía desafiar el gusto medio, no conceder la preferencia sospechosa de anónimos y peatones, no renunciar a una belleza esotérica insospechada, acabó por ofender a casi todos, agradando, como mucho, a sí mismo (al autor, en este caso) y neutralizando cualquier posibilidades de estesia, a excepción de las ligadas al malestar, al aburrimiento y al rechazo.
Otra hipótesis sobre la cuestión anterior: el bovarismo es “el poder concedido al hombre de concebirse a sí mismo como diferente de lo que es”, como escribe Jules de Gaultier, citado por Maria Rita Kehl en Bovarismo brasileño, podríamos, para el caso que nos ocupa, recordar que este rasgo, un deseo recurrente, aparece en el extenso catálogo nacional de nuestras peculiares formaciones imaginarias, al mismo tiempo que somos conscientes de la tragedia social que nos caracteriza como sociedad. de ser otro, diferente, pero no tanto, de negar sin rechazar la fuente de la esclavitud, el sustento de estilos de vida elevados, de círculos restringidos de convivencia social, de la sociabilidad ilustrada de espacios culturales refinados, de poder dar rienda suelta a los proyectos y deseos de ser habitante del mundo, de no conocer fronteras.
No habría un sutil guiño entre pares, para muy pocas personas, por lo tanto, personas de otra extracción que se reconozcan, y en nada, prácticamente, similares al brasileño común y corriente, de una nación sofisticada y cosmopolita, en el movimiento aleatorio y hermético del que se ha revestido: ¿el desfile de fragmentos de la obra?
Sea como fuere, todo resulta en un experimentalismo discordante y vacío, apelaciones de dudoso gusto al histrionismo y a un lenguaje “deconstruido”, porque supuestamente es cool, anticlásico, mal educado y muy poco comunicativo, tal vez porque transmitir un mensaje es Realmente hay algo que hacer y ser rechazado. a priori como valor estético de vanguardia en la concepción teatral del dueño de la pieza. Sea como sea, el efecto podría ser nulo, pero lo peor es que resulta aburrido, aburrido y engañoso como representación teatral.
Y es solo una pieza de 50 minutos, que parecieron más bien 50 horas. Fue una de las peores jugadas que he visto en mi vida. El significado del título podría significar, por tanto, el sentimiento de alguien que creyó en la promesa, fue al teatro esperando alguna instrucción, alboroto o entretenimiento y, al final, descubrió que allí no había nada.[ 1 ]
*Denilson Cordeiro Profesor de Filosofía del Departamento de Ciencias Exactas y de la Tierra de la Unifesp, campus Diadema.
Nota
[1] Me gustaría agradecer a Marian Dias y Joaci Pereira Furtado por su continuo diálogo y colaboración.
la tierra es redonda existe gracias a nuestros lectores y seguidores.
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