por ALEJANDRO DE OLIVEIRA TORRES CARRASCO*
Dos canciones, dos interpretaciones que nos muestran cómo el límite de la vida é ser imitadoción de própropia vida. A veces hay más verdad en la imitación que en el original
En la casi infinita colección de Dona Nete hay un vídeo en el que REM, la banda, toca en directo, si no me equivoco, en Berlín, al aire libre, en un parque abierto, que debe ser muy conocido, enorme. El vídeo es un corte de lo que sería un show, y nos ofrece el momento en el que interpretan la canción. Imitación de vida. Michael Stipe lleva traje y corbata, todos en la banda parecen tener sus disfraces listos, lo cual no está nada mal. Michael Stipe viste un traje oscuro un poco mal ajustado, una corbata con estampado terroso, pero lo que destaca es una pintura azul que cruza su rostro, como si fuera una pintura indígena de guerra o paz, de una guerra en azul, un azul pronunciado. , pasando del claro al oscuro, sin ser exactamente oscuro, un azul que anuncia el azul cobalto, que considero especialmente bonito.
Podría ser simplemente una pintura, podría ser una máscara. La canción resuena como un mantra, es una de las grandes canciones de la banda, y en el primer verso muestra una sonrisa que rápidamente se pierde en la secuencia y continúa seria, muy seria, no muy seria, pero seriamente seria, atravesada por la seriedad. mientras la banda resuena la melodía y el público salta, se emociona, baila y sigue a la banda. El vídeo no sólo se centra en Michael Stipe, por razones obvias de que sea el cantante principal, se centra sobre todo en su rostro y rasgos, y el aparato técnico en acción, dispuesto a captar cualquier detalle, sigue preferentemente las expresiones y rasgos. de su cara.
En la construcción del vídeo, las transiciones melódicas de la canción se intercalan e interrumpen por sus expresiones, por las expresiones de su rostro, y estas expresiones proporcionan otro itinerario para acompañar la canción. Michael Stipe continúa como si estuviera algo ajeno a todo lo que sucede a su alrededor, sin embargo está completamente inmerso en ello, y esta ambivalencia, paradójicamente, le da más fuerza a la interpretación, la canción reverbera cada vez más, cuanto más lejano parece. ser ella.
Hay un momento en el vídeo que parece revelar, casi inesperadamente, en el fondo de sus ojos, algo así como una tristeza, una tristeza modesta, suave y permanente, ajena, como él a la canción, que impregna la música y que la música, actuó allí, como si la evocara, sin saber por qué. La alienación que el conjunto evoca y convoca se combina con esa mirada extraña y triste de Michael Stipe, con la cara pintada y, sin embargo, ese es el punto, es su alienación como actuación lo que lo hace tan fuertemente presente en la situación. Imitación de vida.
La letra de la canción es menos obvia, casi por una razón de contenido: el límite de la vida es ser una imitación de la vida misma. Lo último en la vida es imitar la vida, imitar lo que no puedes lograr. Vivir es buscar algo que básicamente no se encontrará bajo ningún concepto. Estoy divagando, naturalmente. La construcción y la fórmula me parecen un poco pascalianas, pero hay días que casi todo me suena un poco pascaliano, releo “Os Pensamentos” y quedo absorto en ellos, lo que también es una forma de imitación. Aún en la letra, parece, y en realidad sólo parece, que el llanto de cada uno, una evocación repetida al final de cada verso, es el último (si no el único) recurso que nos saca de este circuito fatal de la imitación, la mayoría de nosotros incluso, el máximo de nuestra vida, sabiendo que el máximo de la vida es imitar lo que no se puede lograr.
Por eso nadie puede vernos llorar: tenemos que preservar nuestro llanto, último recurso de nuestra nostalgia de sustancia. Aquí, algo que podríamos llamar el circuito de la ipseidad. Nadie puede verme llorar, por eso no debemos llorar, excepto en un lugar inalcanzable, de lo contrario nuestro llanto no es seguro. Si el llanto se convierte en espectáculo, si se le añade un público, está condenado a ser una imitación del llanto, a ser una imagen comercializable del llanto, ya no lloramos, imitamos.
Si esta interpretación es correcta –correcto aquí es un adjetivo claramente problemático, y significa sólo si suena inteligible–, Michael Stipe necesita esta interpretación de retroceso para darle un poco de sustancia a la canción que emula el entusiasmo y la energía que sólo existe como una imitación. de entusiasmo y energía. Como la vida. En este caso concreto, ese espectáculo así filmado, reducido, cortado, montado, efecto extremadamente logrado de un inmenso aparato técnico, finalmente puesto en el formato acuoso de los vídeos desechables de Doña Nete, este expediente performativo es la mejor manera de hacer trabajar, es decir, hacerle decir algo: imitar la imitación en el entorno de sombras que imitan sombras. De repente, una verdad inesperada. Hago los cálculos porque he estado haciendo que este video me persiga todo el día durante semanas. Lo veo a menudo: imito la imitación.
Hasta que accidentalmente me topé con otro vídeo, otro artista, otra canción. Conecté dos puntos, sin muchas pretensiones. Aparentemente están increíblemente distantes: Candeia (Antonio Candeia Filho, 1935-1978) cantando Paulinho da Viola (Paulo Cezar Faria), argumento. Está bien, acepto el argumento, pero no cambies tanto mi samba. Definamos: Paulinho da Viola es apolíneo: todo en él, y en consecuencia, todo lo que canta, está perfectamente acabado, no deja aristas, ni surcos, ni ruidos. Su forma de elección es la perfección de la forma.
Canta: teje sus planes en secreto, se va sin despedirse, no recuerda mis errores, hiere a los que lo perdieron todo: un corazón frívolo. La letra retrata una ferocidad única de los deseos de este corazón, obviamente llamado frívolo, y sin embargo, está cantada con tal gracia apolínea, que no se nota la violencia que produce este deseo, como todo deseo digno de ese nombre, llevándoselo todo. quieres, de la forma que quieras. Juntos, el arte del intérprete, el arte del compositor, el arte del hombre Escorpio, en una suma perfecta: un corazón frívolo.
No es esta samba la que canta Candeia, es otra, ya lo hemos dicho: es argumento. Es una samba sobre la samba misma, sobre la samba como género y su pregunta, sobre lo que queda de la samba, sobre el eterno falso debate sobre la “modernización” de la samba. No hay nada más moderno que la samba, seamos realistas. El tema es la propia Candeia. Candeia, que nació en la samba, es del linaje noble de la samba. También era investigador de la policía civil y la mala suerte lo encontró: recibió cinco disparos y quedó parapléjico en 1965. La samba acompaña toda esta historia. De Oswaldo Cruz, donde nació y creció, de su casa y de doña Ester, nació el bloque “Vai como pode”. Es la quintaesencia de la samba. Ve lo mejor que puedas. El argumento, la canción, es también este: es Candeia vista por sí misma, quien pregunta por sí mismo cuando pregunta por la samba: está bien, acepto el argumento.
("Sin preconceito
O manía pasada
Sin querer estar del lado
Para los que no quieren navegar
Haz como un viejo marinero
que durante la niebla
Toma el barco despacio”).
Nuevamente: el tema es serio, es el destino y la naturaleza del género mismo, cuestionado por el género mismo, el destino de la samba que se toma como tema de una samba. A su manera, juicio reflexivo, la samba sólo niega la samba, si samba, sambando. No lo niegues. Agonizar. Pero no muere. Paulinho, sin embargo, le da una gracia única y melodiosa: una conversación entre amigos, o casi; limpio, sin aristas, un acuerdo amistoso, una apuesta para ganar, un afeitado.
Candeia, sin embargo, va en dirección contraria cuando interpreta la misma samba, y si se me permite decirlo, de una manera bella y enfática. Todo está en su forma de cantar, y en cómo él mismo es en su forma de cantar. Al escucharla, la samba de Paulinho inmediatamente se convierte en otra cosa: es dura, terrible, un lamento, es pesada, una maldición. Candeia está enteramente en la interpretación, y la verdad es otra, en los mismos términos: acepto, me resisto (¿tal vez?), me niego, me trago el argumento. Candeia, que es una figura única no sólo en la samba, es la autora de “Ppreciso me encuentro”. Una samba realizada en 1975, grabada por Cartola en 1976, en el disco Cartola, la quinta pista del lado “A”.
La canción es muy famosa en la interpretación de Cartola y regrabada por una miríada de blancos “ilustrados”, sabiendo lo que esto significa en Brasil. La interpretación de Cartola, igualmente notable, quizás se encuentre entre los dos, entre Candeia y Paulinho: es dura como la interpretación dada por Candeia de argumento, maravillosamente dura, es también apolínea como si fuera una interpretación de Paulinho, menos, pero también. Cartola pesa su tristeza y pone allí alguna alegría, no cualquiera, para darle una belleza inesperada a la tristeza, que también tiene su belleza de oficio. Oscilo con naturalidad, vuelvo sobre mi camino en un instante, pero no hay manera, para mí, de no tener la interpretación rocosa de Candeia, martillando el granito, hermosa, el más alto grado artístico y estético del resentimiento brasileño, cuando canta con el argumento. :
Sin querer estar del lado
Para los que no quieren navegar
Haz como un viejo marinero
que durante la niebla
Toma el barco lentamente.
Vale, acepto el argumento.
A veces hay más verdad en la imitación que en el original. Vale, acepto el argumento.
*Alejandro de Oliveira Torres Carrasco es profesor de filosofía en la Universidad Federal de São Paulo (UNIFESP).
la tierra es redonda hay gracias
a nuestros lectores y seguidores.
Ayúdanos a mantener esta idea en marcha.
CONTRIBUIR
