por TARCÍSIO PERES*
El abuso en el uso de la tecnología lleva a la percepción de que la música se está volviendo demasiado sintética y deshumanizada
1.
La Inteligencia Artificial y, en particular, el aprendizaje automático con su descendiente más reciente, la Inteligencia Artificial generativa, han sido ampliamente promocionados como una innovación revolucionaria, capaz de transformar varias industrias, incluida la producción de textos, arte, música y otras formas de creación de contenidos. . Es notable la similitud entre la difusión hiperbólica de la pirotecnia y la Inteligencia Artificial generativa y los relatos del barón Münchhausen, popularizados por Rudolf Erich en 1785.
Un hecho concreto es que, a pesar de los entusiastas de turno, esta tecnología está sobrevalorada. Si bien puede procesar grandes cantidades de datos e identificar patrones complejos, carece de una comprensión profunda del contexto, las emociones y los matices culturales que expresan la creación humana. Por ejemplo, un texto generado por Inteligencia Artificial puede ser técnicamente correcto e informativo, pero carece de la estructura emocional, la originalidad y la voz única que caracterizan la escritura.
Las producciones computacionales se materializan en contenidos superficiales y genéricos, incapaces de captar la riqueza y complejidad de las experiencias humanas. Vale la pena recordar que la creatividad humana está impulsada por experiencias personales, emociones y una comprensión intuitiva del mundo, elementos que son intrínsecamente difíciles de codificar en algoritmos.
Discutir los detalles técnicos que están en el centro de este tema puede resultar un poco tedioso. Por ello seguiremos, sugerentemente, experimentando una aproximación, a la luz del tiempo, a la estética musical.
2.
En la Antigüedad, el canto era una parte esencial de las prácticas religiosas y culturales. Los griegos, por ejemplo, tenían una rica tradición de música coral e investigaron las propiedades matemáticas del sonido, estableciendo intervalos musicales que formaron la base de las escalas musicales. Pitágoras, filósofo y músico griego, identificó la relación entre las frecuencias de los sonidos y desarrolló la teoría de los intervalos consonánticos, como la octava, la quinta y la cuarta.
Durante la Edad Media, el canto gregoriano se destacó como la principal forma de música sacra en Europa occidental. Este estilo monofónico, caracterizado por líneas melódicas simples y sin acompañamiento instrumental, enfatizó la claridad del texto litúrgico. Los cantantes desarrollaron técnicas de respiración y proyección para mantener la pureza y continuidad del sonido en espacios reverberantes como las catedrales. Los neumas, símbolos utilizados en los manuscritos del canto gregoriano, proporcionaron sólo una indicación aproximada de la melodía.
Fue a finales del siglo IX y principios del X cuando la música occidental comenzó a utilizar la escala diatónica, una serie de siete notas que se convirtió en la base de la teoría musical occidental. A Guido d'Arezzo, un monje benedictino del siglo XI, a menudo se le atribuye la invención de una forma de notación que evolucionó hasta convertirse en las partituras modernas. Introdujo el tetragrámaton, un conjunto de cuatro líneas que facilitaba la lectura de notas musicales, y creó un sistema mnemotécnico para enseñar intervalos musicales (que luego evolucionó a “C, D, E, F, G, A, B”).
Durante el Renacimiento, la polifonía, con múltiples líneas melódicas interconectadas, se volvió predominante. Compositores, como Palestrina y Josquindes Pérez, exploraron la armonía y la contraposición, exigiendo de los cantantes un control vocal sofisticado y la capacidad de mantener líneas melódicas independientes. La notación musical evolucionó con el pentagrama de cinco líneas, convirtiéndose en estándar y permitiendo una mayor precisión en la representación de los tonos de las notas.
En el periodo Barroco la ópera surgió como un nuevo género musical, con el que se desarrollaron nuevas técnicas de canto. Los cantantes necesitaban una gran flexibilidad vocal para interpretar ornamentos complejos y expresar una amplia gama de emociones. Técnicas como bel cantoComenzó a formarse , que enfatizaba la belleza de la línea melódica y el control de la respiración. Cantantes como Farinelli, uno de los más famosos castrado, ejemplificó el virtuosismo técnico y expresivo de ese período. La notación musical se volvió más sofisticada con la introducción de la clave de sol, la clave de fa y otras claves para indicar diferentes registros vocales e instrumentales.
El neoclasicismo y el romanticismo trajeron cambios estilísticos adicionales. La ópera y la música de concierto requerían voces capaces de proyectarse sobre las grandes orquestas. El desarrollo de la técnica del canto lírico, que enfatiza el poder vocal y la claridad del timbre, se volvió central. Cantantes como Maria Malibran y Enrico Caruso ejemplificaron la capacidad de combinar una técnica refinada con una expresión dramática.
En el siglo XX, la técnica vocal siguió evolucionando con la introducción de nuevos géneros musicales, como jazz, el teatro musical y, eventualmente, el Deliciosos y el Rock. Técnicas como el uso del micrófono permitieron un enfoque más íntimo y natural del canto, mientras que la formación clásica todavía proporcionó la base para muchos cantantes de diferentes estilos. La pedagogía vocal también ha avanzado significativamente, con una mayor comprensión de la anatomía y fisiología de la voz.
Concluyendo nuestra retrospectiva histórica, en los últimos años, la tecnología autoajuste se introdujo en la producción musical, proporcionando una herramienta para ajustar y corregir el tono vocal. Funciona ajustando automáticamente las notas cantadas a aquellas más cercanas al tono correcto, lo que permite a los cantantes mantener el tono perfecto incluso si su actuaciones no son técnicamente impecables.
3.
Una pregunta interesante surge de nuestro análisis. Una tecnología utilizada para corregir pequeñas imperfecciones en la afinación de un cantante (la guinda del pastel en la perspectiva antigua de la música que acabamos de informar) está empezando a utilizarse para ayudar a un cantante promedio a estar más afinado. Con el tiempo, el uso de autoajuste trascendió su función original de corrección discreta y comenzó a usarse de forma más evidente, creando un efecto vocal característico. Este uso estilizado de autoajuste, popularizado por artistas como Cher a finales de los 1990 y más tarde por T-Pain, dio lugar a una nueva estética sonora, marcada por una cualidad artificial y robótica de la voz, que se convirtió en un elemento básico en muchos golpes contemporáneos.
Esta práctica ha generado una serie de debates y críticas dentro de la industria musical y entre los oyentes: el abuso en el uso de la tecnología lleva a la percepción de que la música se está volviendo excesivamente sintética y deshumanizada. Los oyentes se vuelven menos tolerantes con las imperfecciones vocales, esperando actuaciones siempre impecable, tanto en grabaciones como en vivo, generando mayor presión en la producción musical, perpetuando el ciclo de la artificialidad.
Además, cuando se utiliza de forma intensiva, el autoajuste altera significativamente la calidad original de la voz, borrando matices que son esenciales para la expresividad vocal. Un claro ejemplo es el efecto sobre vibrato, una técnica vocal en la que el cantante hace oscilar ligeramente el tono de una nota para añadir calidez y emoción a la canción. actuación. El vibrato es una característica especialmente valorada en cantantes de ópera y otros estilos clásicos, como los tenores, cuya capacidad para controlar y variar el vibrato es un signo de técnica vocal avanzada.
O autoajuste, intentar corregir el tono de forma automática y precisa suavizará o incluso eliminará inadvertidamente el vibrato, lo que dará como resultado una voz que suena mecánicamente estable y monótona. Esta pérdida de matices hace que actuación menos natural y emocional, creando una sensación de artificialidad. En lugar de mejorar la interpretación vocal, el autoajuste, en este contexto, termina estandarizando las características únicas de cada voz, anulando el trabajo técnico y expresivo de los cantantes. En otras palabras, después de siglos de rica evolución, la música está siendo descaradamente pasteurizada por la practicidad computacional.
Además del vibrato, el uso de autoajuste impacta negativamente en varios aspectos de actuación voz y la calidad de la música. La expresividad emocional de un cantante puede verse reducida, ya que las variaciones sutiles en el tono, la dinámica y el timbre son esenciales para transmitir emociones. El timbre vocal, que es único para cada persona, también se puede estandarizar, haciendo que las diferentes voces suenen más similares y menos distintivas. La dinámica, que es la variación en la intensidad y el volumen de la voz, es crucial para crear una actuación atractivo y emocionalmente rico. oh autoajuste nivela estas variaciones, lo que resulta en un rendimiento más plano y menos dinámico.
La calidad de la resonancia y los armónicos producidos por la voz también pueden verse alterados por autoajuste. Los armónicos, que son frecuencias adicionales generadas junto con la nota principal, contribuyen a la riqueza y complejidad del sonido vocal. El procesamiento digital también puede modificar estos armónicos. Técnicas avanzadas de canto, como melismas, glissandos e comportamientos, pierden su naturalidad y fluidez cuando se ajustan digitalmente.
Estas técnicas se basan en un control vocal preciso y pueden suavizarse o artificializarse mediante procesamiento digital. Además, la relación entre la voz y los instrumentos que la acompañan puede verse afectada, ya que la autoajuste ajusta el tono de la voz de forma independiente, creando una sutil desconexión entre la voz y los instrumentos, especialmente en géneros musicales que valoran la interacción espontánea entre músicos.
La dependencia de autoajuste también afectó el entrenamiento vocal y la educación musical. Un economista diligente llamaría a este efecto secundario una “externalidad negativa”: básicamente, si se puede lograr la excelencia técnica mediante retoques digitales, hay menos incentivos para que los cantantes inviertan tiempo y esfuerzo en desarrollar sus habilidades vocales naturales. Además, el autoajuste ha adicto a los oyentes a un nuevo estándar musical y estético, presionando a los artistas naturales a imitar este efecto para llegar al público, lo que conduce a una homogeneización de la música popular y a una disminución en la apreciación del talento vocal genuino.
4.
Al parecer, nada de esto fue mencionado por el barón Münchhausen en sus quijotescas aventuras. De manera similar a autoajuste En música, un lector experimentado es plenamente capaz de detectar la falta de profundidad emocional y autenticidad en los textos generados por Inteligencia Artificial, mientras que un lector ocasional puede simplemente sentir que algo “falta” o que el texto suena “demasiado perfecto” e “impersonal”. ".
Si la pasteurización de la música es un evento de celebración, la actual pirotecnia nababesca en torno a la Inteligencia Artificial es realmente justa.
*Tarcísio Pérez Es profesor de ciencias en las Facultades de Tecnología del Estado de São Paulo. Autor, entre otros libros, de Beneficiarse de los tiburones: las trampas del mercado de valores y cómo utilizarlas a su favor.
Referencias
BURKHOLDER, J. Pedro; LECHA, Donald Jay; PALISCA, Claude V. Antología Norton de música occidental. WW Norton & Company, 2019.
LECHA, Donald Jay; PALISCA, Claude V. Una historia de la música occidental. WW Norton & Company, 2014.
RASPÉ, Rudolf Erich. Las sorprendentes aventuras del barón Munchausen. Clásicos de pingüinos, 1993.
RUSSELL, Stuart J.; NORVIG, Pedro. Inteligencia Artificial: Un enfoque moderno. Prentice Hall, 2021.
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