por PAZ GASPAR, THYS ALVES COSTA & ERIKA MARIANO*
Presentación por parte de los organizadores del libro póstumo del filósofo y crítico de arte
Este libro es una recopilación de ensayos y conferencias que comprende la última fase de la producción de Gerd Bornheim. Se trata de una muestra significativa de textos, en su mayoría de los años 1998 a 2002, que tejen cuestiones fundamentales de la filosofía del arte, la estética y áreas afines. Dichos textos fueron organizados y ensamblados por integrantes del grupo de investigación Crítica e Experiencia Estética, que actúa en el Centro de las Artes de la Universidad Federal de Espírito Santo (UFES) desde 2015 y viene realizando trabajos de organización documental sobre la vida y obra de Gerd Bornheim.
La idea motivadora del libro fue ampliar los debates sobre la reinterpretación de nuestras herencias culturales, filosóficas y artísticas, reuniendo textos para el estudio de las nociones de “crítica” y “experiencia estética”, que en la obra de Bornheim se toman en una perspectiva dialéctica. Este aspecto se perfila en sus ensayos y posiciones desde el libro Dialéctica teoría y praxis (1983a [1977]) y sus reflexivas incursiones en la obra de Hegel y Marx. El itinerario adquiere un énfasis muy especial con la entrada del autor en las interpretaciones de la escena teatral, que fue para él uno de los espacios más fértiles de reflexión y acción sociopolítica. Cabe señalar que lleva más de cuatro décadas en diálogo con las prácticas culturales y teatrales actuales (entendidas aquí en un sentido amplio de conexión entre expresiones y prácticas artístico-culturales).
Gerd Alberto Bornheim nació en Serra Gaúcha, en la ciudad de Caxias do Sul, el 19 de noviembre de 1929. Este exponente pensador brasileño se destacó por sus estudios sobre filosofía moderna y contemporánea y por la densidad y claridad de su análisis crítico, expresado en ensayos, cursos, entrevistas y conferencias. Destacado por sus cuestionamientos culturales sobre la realidad brasileña, estuvo inmerso en la pluralidad de los temas abordados. Todavía joven, estudió en Europa, lo que fue uno de los factores determinantes para sus elaboraciones intelectuales.
Siguió con interés todas las novedades que aparecían en el panorama artístico y cultural y fue así como comenzó a desarrollar su propio espíritu crítico, a través del análisis profundo de tesis y concepciones filosóficas que admiraba y analizaba hasta la extenuación en sus múltiples conceptos. y puntos de vista. Desde entonces se ha convertido en un viajero interesado en todos los entresijos de los ámbitos culturales. Viajó por ciudades brasileñas y extranjeras (como Porto Alegre, Río de Janeiro, São Paulo, Londres, Frankfurt y París). En París asistió a cursos impartidos por Gaston Bachelard, Jean Hyppolite, Jean Wahl y Merleau-Ponty, entre otros. Y en este viaje de viaje se descubre a sí mismo como escritor.
En Brasil, en 1969, con la intensificación de su actividad docente y formadora de opinión, fue acusado por la dictadura cívico-militar. En ese momento, era profesor de filosofía en la Universidad Federal de Rio Grande do Sul (UFRGS). Acusado de ser subversivo por expresar sus posiciones críticas con el gobierno, se le prohibió dar clases en las universidades. Al mismo tiempo, publicó el resultado de su tesis sobre la enseñanza libre, Introducción al filosofar: el pensamiento filosófico en bases existenciales (1969). En la inmersión de este camino fláneur, Gerd Bornheim viaja hacia el descubrimiento de su propia personalidad.
Y al describir las vicisitudes que lo aquejaron en la universidad, reflexiona: “Lo peor es purgarse, o verse obligado a hacerlo, de la vida intelectual. Hasta ahora no he sido llevado a tal extremo, ya que sigo trabajando mucho, en casa. Sin embargo, mi situación es tal que difícilmente puedo seguir así por más de un mes. Espero que en marzo surja algo positivo que no me obligue a abandonar mi trabajo” (BORNHEIM, 1970).
Los años de exilio en Europa marcaron el surgimiento de su producción bibliográfica, no sólo basada en temas filosóficos, sino también con atención a la literatura, los lenguajes artísticos, y de manera singular a Brecht y al teatro. En este sentido, dedicó su vida a la enseñanza y la producción de obras que impregnan la filosofía, las artes y la política. Murió el 5 de septiembre de 2002 en Río de Janeiro, el lugar que eligió -con un sentimiento emergente- como su hogar durante las últimas décadas de su vida.
Allí escribió numerosos ensayos, fue profesor universitario inicialmente en la Universidad Federal de Río de Janeiro (UFRJ) y luego en la Universidad Estatal de Río de Janeiro (Uerj) hasta el final de su carrera. La ciudad de Río de Janeiro también fue un lugar de descanso de sus actividades académicas y de los numerosos viajes que realizó a congresos y conferencias en Brasil y en el exterior. En estas conferencias, que impartía con una oratoria impecable y seductora, su voz profunda, melodiosa y consistente demostraba el gusto y el deseo de dialogar con grandes auditorios. Nos dejó un legado de propuestas de pensamiento, que contribuyen a una mejor comprensión de los temas estético-político-culturales. En esta edición se puede acceder a algunas de estas valiosas incursiones.
Algunas palabras más sobre la selección de textos de esta colección. Optamos por un diseño que permitiera revelar la superposición de cada uno de estos escritos, sin indicar explícitamente subdivisiones de capítulos por temas específicos. Sin embargo, el lector percibirá al menos seis perspectivas de las interpretaciones del autor: (1) la problematización de la crítica artística; (2) la estética teatral entre la escena y el texto; (3) ejemplificaciones literarias que surgen de preocupaciones políticas con el progreso de la democracia y la cultura; (4) la experiencia estética y el aprendizaje de la mirada en los escritos sobre artes visuales; (5) la música como paradigma estético; 6) el problema de la comunicación y los nuevos paisajes de las artes contemporáneas.
La crítica artística y la experiencia estética entre la escena y el texto
Los dos primeros textos, “Las dimensiones de la crítica” (ensayo sobre la crítica publicado en 2000) y “La cuestión de la crítica” (transcripción de una conferencia de 2001, publicada en 2002) son ejemplos de una aprehensión dialéctica de cuestiones en la filosofía del arte . Tanto los ensayos como la oralidad que jalonan estos dos capítulos revelan una percepción estética que se extiende a lo largo de los siguientes capítulos. Gerd Bornheim, en una vivaz reanudación de Brecht y Marx, dialoga con su amigo Ruggero Jacobbi para reflexionar sobre el ejercicio de la crítica. Considera importante la vertiente ensayística de interpretación del (con)texto o producción de la obra (la obra de teatro, la pintura, la película) y la consiguiente preocupación por el desarrollo de los acontecimientos, espectáculos o acontecimientos artísticos en general. El requisito es seguir el progreso del trabajo a través de un diálogo estimulante. Este ejercicio de pensar la crítica también puede verse en otras publicaciones del autor, como “Génesis y metamorfosis de la crítica” y “Da crítica”, en paginas de filosofia del arte (1998), y “Crítica necesaria”, en temas de filosofia (2015).
Según él, en el ensayo que abre este volumen: “El presupuesto fundamental de la crítica se encuentra en cierto modo en el seno mismo de la cultura occidental: es nada menos que la invención del espíritu crítico inherente a nuestro mundo, como resultado del surgimiento de la filosofía y del espíritu científico en general – el de escudriñar racionalmente los procesos reales y los compromisos humanos. En el caso particular que nos ocupará, queremos saber qué tipo de necesidad presidió el surgimiento mismo de la crítica de arte: de dónde salió, para qué salió –y eso hasta el punto de constituirse como una suerte de género literario para postular las exigencias de todo un departamento de nuestras bibliotecas” (BORNHEIM, 2000b, p. 34).
Se percibe entonces el gesto performativo que revela a la vez lo teatral y lo literario, ambos elementos constitutivos del plan de su escritura. Nos atrevemos a ver en estos textos el entramado de un juego similar al trabajo preliminar que pasa por la puesta en escena de espectáculos teatrales y que, por la propia naturaleza de síntesis de prácticas artísticas, trae ejemplos de las artes plásticas, la música, la literatura, el cine. , etc. Es a través de su forma natural de filosofar que nos invita, en este espacio de expresión, a experimentar la importancia del lenguaje en el curso de los cambios que ocurren en el campo de las artes, así como las crisis existentes en el contexto de la reflexión estética en el mundo contemporáneo.
Si en los dos primeros capítulos el autor comienza a pensar en la crítica, en los dos capítulos siguientes, “La estética brechtiana entre la escena y el texto” y “Brecht y las cuatro estéticas”, lo que está presente es toda una aplicación dialéctica de esta modo de interpretación. Brecht, trabajando en el umbral entre texto y escena, entre teoría y práctica, experimenta y problematiza en su obra y en sus discusiones con equipos de trabajo, al menos cuatro tendencias estéticas: la imitación, el sujeto, el objeto y el lenguaje. Para Gerd Bornheim (2007, p. 59), Brecht era un “problematizador teatral, no un teórico – Brecht no era un teórico. A un nivel esencialmente práctico, estaba problematizando”. Así, una de las problematizaciones brechtianas se basa en la separación y el distanciamiento, signos de su vigoroso desempeño en el teatro, la poesía y las artes en general.
Para Bornheim (2001b, p. 30), la separación de Brecht es una acción “fundamental para reinstalar al hombre en la realidad, alienado como estaba por la escena italiana, pasivo, sentado en la oscuridad, desconectado del mundo”. Ejemplifica el hecho diciendo: “Entro a un cine y veo un drama o una comedia, se acaba la película, me río mucho, lloro mucho, salgo del cine y digo: “Entonces, mañana tengo que trabajar”. ”. Quiero decir, he vuelto a la realidad. El arte sirvió para distanciarme de la realidad. Brecht quiere una especie de arte placentero, elegante, casi litúrgico, que sumerge al hombre, lo devuelve a una realidad que olvida no sólo cuando está en el cine, sino cuando trabaja, cuando camina por la calle. Eso es todo” (BORNHEIM, 2001b, p. 30).
En la estela de este “caminar con la obra de arte comentada”, propio de las interpretaciones de Gerd Bornheim, el lector encontrará, en esta edición, dos textos que se despliegan en diálogo con los capítulos anteriores: “La concepción del tiempo – los presagios ” y “ Beckett y los significados del gerundio”, ambos transcritos a partir de textos mecanografiados originales del autor. Aparecen en escena diferentes concepciones de las intuiciones de tiempo y espacio.
En el primer texto, por ejemplo, el autor recuerda a Mircea Eliade, quien percibe estas nociones desde lo profano y lo sagrado: “Estaría el nivel de un tiempo y espacio profano, en el que la vida habitual de los individuos en una sociedad dada desarrollarse. , y en este nivel se opondría otra dimensión del espacio y del tiempo, ahora ligada a todas las cosas que codifican el mundo sagrado [...]”.
Así es como el autor pinta toda una historia que se remonta a los antiguos griegos e interpreta el impacto de estos logros en los acontecimientos actuales. Por otro lado, en “Beckett y los significados del gerundio” y también en “El significado de la tragedia” tiene en mente una realidad contrastada por estas intuiciones. Para él, según el primer texto, “tiempo y espacio son nociones que se mueven en el transcurso de la dramaturgia beckettiana de manera especialmente incisiva. En Esperando a Godot, la pieza inaugural, hay un momento especialmente privilegiado cuando se ven los dos payasos mendigos instalados en un bordillo. Uno de ellos se quita el zapato viejo y agujereado y empieza a sacudirlo, como si en él hubiera algo que impidiera, quizás, futuros paseos. Tu pareja observa este extraño bullicio, y pregunta desconcertado: "¿crees que tenemos un significado?" El zapatero se detiene, responde a la mirada, se toma un pequeño descanso y suelta una carcajada estrepitosa. También es curioso que la misma pregunta aparezca en otra pieza del autor. Y la situación, cabe señalar, tiene todo que ver con esas nociones de tiempo y espacio”.
Según él, Beckett nos lanza a otra percepción de las cosas: “el gran problema está precisamente ahí: el espacio y el tiempo pierden su sentido o se fragmentan o se convierten en una realidad altamente problemática” (BORNHEIM, 2002c, p. 28). O cuerpo beckettiano es, por tanto, una experiencia disruptiva y radical con el lenguaje, que para Bornheim es un campo abierto de experimentación. Lo interesante es que los textos presentes en este volumen están conectados.
En “El sentido de la tragedia”, Bornheim habla de un posible diálogo teatral que pudo haber existido entre Brecht y Beckett, dos experiencias que cambiaron la forma de ver el teatro contemporáneo. En el mismo texto hay comentarios sobre los tiempos de la epopeya homérica y las interacciones de la tragedia griega que se vinculan directamente con el ensayo “La concepción del tiempo – los presagios”, pero también con la experiencia de la escritura y la escena que es configurado en la dramaturgia brasileña.Nelson Rodríguez. Lo profano y lo sagrado, la culpa, el pecado y la utopía son asociados por el filósofo al juego de lenguaje de Nelson en el prefacio del libro La mentira, organizado por Caco Coelho (resultado de la investigación El baúl de Nelson Rodrigues).
El ensayo sobre Nelson Rodrigues, que muestra los matices de una tragedia brasileña contemporánea,[i] fue el último texto escrito por Gerd Bornheim antes de su muerte en 2002. En esta edición, el ensayo agrupa, junto con “Sobre la historia de una vida: el libro” y “Democracia y cultura”, las preocupaciones de Bornheim con la realidad social y política actual. veces. A estas dimensiones se une una percepción literaria que las hace resistentes: “los descendientes de Machado de Assis”, como dice Bornheim (2000a, p. 44) sobre el libro.
Instancias literarias y preocupaciones políticas y culturales
El ensayo “Democracia y cultura” es un hito de esta compilación, ya que muestra que los vínculos entre la crítica, las experiencias estéticas y las interpretaciones de la filosofía del arte se basan en un brío político fundamental. Y no es casualidad que se coloque aquí, porque, como decía Guimarães Rosa, lo real aparece en medio del recorrido. Con las ideas de democracia, cultura y ciudadanía, a las que se vinculan directamente los ensayos anteriores, se empieza a situar toda la actualidad del escenario.
Según Gerd Bornheim (2001d, p. 24): “Son dos, repito, los nuevos personajes que lo reinventan todo: el elemento individual y el colectivo”. Y, para dar un ejemplo de ello, habla de las aventuras de la dramaturgia de Schiller: “En una primera obra, Los chicos malos, el poeta presenta a un grupo de jóvenes, herederos de Rousseau, que se rebelan contra el orden de la ciudad establecida, y tratan de organizarse, en vano, fuera de ella –no importa el fracaso de la empresa: se trata de la invención de una nueva raza que aún hoy puebla nuestras calles, la los hippies de todas las especies. En otro texto del mismo poeta, fiesko, asistimos a la lucha de autoexterminio de la tradición: hay dos duques que se aniquilan mutuamente en la búsqueda del poder; en medio, el público llega a escuchar los gritos de protesta enfurecidos del pueblo, pero sin verlos: es sólo que el pueblo apenas empieza a nacer, situado aún detrás de las bambalinas de la escena. Schiller incluso se sintió avergonzado por la violencia que él mismo predijo; pocos meses después de la puesta en escena de Los chicos malos, el dramaturgo escribe un prefacio al texto para contradecirse, condena la rabia de los jóvenes y los declara peligrosos para el orden imperante. Demasiado tarde: los jóvenes ya estaban instalados en la escena viva y se involucraron en las aventuras de una política completamente nueva, comenzando con los precursores de la Revolución Francesa” (BORNHEIM, 2001d, p. 24).
No podíamos dejar de mencionar aquí este pasaje, porque, además de su relevancia visible, vincula las experiencias estéticas y el ejercicio de la mirada que propone Gerd Bornheim en los cinco textos que siguen, cuya temática gira en torno a las artes visuales: “Bez Batti”, “Vasco Prado”, “La pintura que está pintando”, “Verde que te quiero verde”, “La coherencia de un itinerario”. Cabe señalar que estos escritos se ven realzados por el interés del autor por comprender el significado de las imágenes, el imaginario y la realidad de las cosas. Este ejercicio de ver la realidad a través de las imágenes y pinturas de pintores como Cézanne y Van Gogh, propuesto por Rodin al joven Rilke, es también uno de los ataques poéticos de Bornheim. Siguiendo el trabajo de rilkian, combina la experiencia y la percepción artística para acceder a la realidad. Esta conexión será vital para tu experiencia con el idioma y para tu conciencia de tu tiempo.
Artes visuales y aprender a mirar
Gerd Bornheim fue un admirador de las artes en su totalidad y se dedicó a estudiar y escribir sobre los distintos lenguajes artísticos, cuyo funcionamiento buscó comprender. De esta manera, produjo importantes interrogantes sobre la obra de artistas plásticos como Bez Batti, Carlos Scliar, Vasco Prado, Glenio Bianchetti, José Carlos Moura, Marta Gamond, algunos de los cuales se recogen en esta edición. Habló sobre la dicotomía sujeto y objeto, la subjetividad impregnada en la pintura, la plasticidad de la escultura, las rupturas representativas con la estética y con los valores morales, reflexionando así sobre los innumerables elementos que envuelven una obra de arte. Más que escribir sobre arte, los ensayos de Gerd Bornheim contienen todo un brío poético. Sus textos no se restringen a formatos de catálogo o publicaciones de contenido académico; había algo más, algo más sensible, algo más vivo, que sólo los experimentos y las percepciones poéticas podían lograr en la escritura y la filosofía.
Desde la sencillez de la forma en Vasco Prado hasta una “especie de ángeles diabólicos” (BORNHEIM, 1994, p. 93) en las cabezas esculpidas por Bez Batti, Bornheim sintió el silencio de la escultura. Y encontró: “La escultura ama el silencio” (1994, p. 93). En la acción de las manos dando vida y forma a la materia prima consiste el acto de esculpir, el acto de crear. Hay silencio en la relación entre artista y material, así como hay silencio en la escultura, “pero hay un silencio aún más fuerte, que viene de muchas distancias, confluencias de un hombre; está la suficiencia de manos que todo lo saben, síntesis de lo terrestre y lo humano” (BORNHEIM, 1984, p. 77), y está el silencio como expresión natural de la vida, que toca el arte por extensión, como algo inherente a la ser humano En este sentido, la escultura es la posibilidad de existencia para un artista como Bez Batti.
Para nuestro autor, “nada es más silencioso que la escultura” (1984, p. 77). Un silencio que se condensa en las formas casi primitivas o en la “idea que se atasca en la cabeza o se paraliza en las manos” (1994, p. 93) de Bez Batti, su amigo e interlocutor. En la contraparte del silencio, también nace el sonido de un río, que trae consigo guijarros tallados por las aguas que se precipitan hacia Bez Batti. El basalto es para Batti una pasión infantil que se intensificó en los momentos que pasaba en el río Taquari, contemplando un mar de guijarros.
Fue entonces cuando comenzó a esculpir cabezas, souvenirs de tótems tribales o máscaras africanas, remitiéndonos a los orígenes de las civilizaciones, y logrando con ellas “su mayor expresividad, su forma de reescribir la fábula del mundo” (1984, p. 77). El escultor Bez Batti busca la obra de arte en la naturaleza, incluso si la piedra se muestra resistente a la imposición de la forma. Sabe que “la lucha con la materia prima puede ser ardua” (1984, p. 77), y quizás por eso invirtió en el contraste entre la piedra pulida y la piedra tosca como signo de sus trabajos y luchas. El silencio en Bez Batti aparece en la soledad o en su relación con la naturaleza, su refugio, su estudio personal y donde encuentra la materia, construyendo así con la escultura su lugar.
Música, comunicación y nuevos paisajes de las artes contemporáneas
Después de los textos sobre la experiencia estética en las artes plásticas, le toca a la música hacerse presente como paradigma estético. En la conferencia “Nietzsche y Wagner: el sentido de una ruptura”, Bornheim sitúa dos perspectivas que para él son importantes para entender las artes contemporáneas: la totalidad wagneriana y la separación brechtiana. La música entre el oído y el habla, como en el escrito sobre Enio Squeff, compone un panorama de sonidos y reverberaciones fundamentales en el tema de la comunicación y el lenguaje. Es precisamente la comunicación, recurrente en otros pasajes de este libro, la que será retomada en el manuscrito original “Arte e Comunicação” y en la conferencia “La comunicación como problema”. En “La estética de la salud” también hay un tema crucial para las preguntas de Bornheim, el cuerpo. Cuerpo, alteridad, sujeto, objeto, tecnología y política exigen pensar los nuevos paisajes de las artes contemporáneas.
*Gaspar Paz Profesor del Departamento de Teoría del Arte y de la Música de la UFES. Autor de Interpretaciones de los lenguajes artísticos en Gerd Bornheim (eduques).
*Thays Alves Costa es candidato a doctor en historia por la Universidad Federal de Espírito Santo (UFES).
*erika mariano Máster en Teoría, Crítica e Historia del Arte por la UFES.
referencia
Gerd Bornheim. Ensayos y conferencias sobre teatro, literatura, artes plásticas, música y crítica de arte. Organización: Gaspar Paz, Thays Alves Costa y Erika Mariano. Victoria, Edufes, 2022.
Nota
[i] Siempre es bueno recordar el ensayo de referencia escrito por Bornheim sobre la tragedia, “Breves observaciones sobre el sentido y la evolución de lo trágico”, en Sentido y Máscara (1992).
