por PABLO PETRAVICIUS VIEIRA*
Consideraciones sobre la obra El extranjero
La pieza El extranjero, basada en el aclamado texto de Albert Camus, cobra nueva vida bajo la dirección de Vera Holtz y gracias a la interpretación de Guilherme Leme García. La historia sigue las desventuras de Meursault, un hombre corriente y modesto, que viaja al funeral de su madre. Al día siguiente, se ve envuelto en una pasión sensual con un ex compañero de trabajo. Declara a favor de un amigo acusado de violencia doméstica, sólo porque le pidió un favor y, por casualidad, asesina a un árabe en la playa. Procesado y condenado a muerte, Meursault se enfrenta a un destino trágico.
Cuando comienza el espectáculo, el escenario se revela casi vacío: un banco y un hombre tumbado en la penumbra, que se levanta y pronuncia la famosa frase inicial: “Hoy murió mamá. Quizás fue ayer, no lo sé”. El anuncio de la muerte se recibe mediante una nota. El banco, sencillo y multifuncional, sirve como elemento escénico flexible, mientras que el escenario oscuro, con telas negras de fondo, nos sitúa en el punto inaugural y ambiguo de la representación y la vida, por absurda que sea, y nos invita a reconstruir mentalmente las escenas. . Encontramos la obra de esta manera: los escenarios en los que los días transcurrían sin crisis se han derrumbado para perpetuar la monotonía de los días de Meursault, pero enriquecidos por los colores que nos llegan a través de los gestos y las descripciones del actor.
La obra está compuesta por un único actor que asume los roles de personaje y narrador, acercándose intensamente al público, su objetivo, y dispuesto a capturar el corazón y la conciencia de los espectadores, quienes, sentados en las sombras, se convierten en testigos de la muerte de Meursault. destino. Representa, hasta cierto punto, el destino de todos. Aunque el personaje describe los acontecimientos y sus sentimientos (reducidos a sus sensaciones físicas), y los diálogos de los demás personajes se presentan a través de un único actor, es al público a quien se confiesa. Establece una complicidad con el público, con el espectador escondido de los hechos, que se esconde tras las líneas imaginarias del texto o las siluetas difuminadas de las gradas. A veces se dirige a ellos directamente.
El traje de Guilherme, un mono de tonos sobrios, complementa la propuesta minimalista del conjunto. Destaca el rostro del actor, haciéndolo fascinante y permitiendo al público creer, por un momento, que la fuga de Meursault de la pena de muerte fue un éxito y que lo encontramos en este escenario oculto en el que nos presenta el testimonio de su aventura. con la vida. El mono es capaz de articular la percepción difusa entre el trabajador común, el prisionero y el oficio del actor. El actor supo exaltar la acidez de un pudor tan profundo que puede alcanzar la indiferencia de quien ya no encuentra ningún valor más allá de la vida que sus ojos atestiguan. De esta manera, Meursault se convierte en un cuerpo, materializado en el actor, y sus fuerzas, a la vez de seducción y destrucción, como cualquier otro cuerpo en el mundo. La objetividad con la que se impone la escena y cómo se narra el texto es tal que es capaz de expresar sarcasmo sin ser intencionadamente sarcástico. Lo efímero destaca en la vida cotidiana, donde parece lo más firme, a veces eterno. En el extraño resuena una activa inanición intelectual que se trasluce en el inquietante discurso pronunciado por el personaje, con el tono profético de quien se encuentra aferrado a una verdad desagradable: “nos acostumbramos a todo”.
Si leer la obra puede resultar desconcertante, ver el espectáculo es una experiencia sobrecogedora que completa y enriquece el texto original. La obra revela la necesidad de una puesta en escena que amplifique la fuerza vital de la obra literaria. En el drama del personaje Meursault es evidente el deseo que contenía de poseer un cuerpo, una voz y un rostro. En este sentido, la actuación de Guilherme es tan vívida y convincente que, espectacularmente, parece ser la cara oculta del héroe taciturno. Su tono de voz, áspero y potente, acompañado de una dicción ligeramente nasal, resuena el agudo pudor del personaje, propagando en la catedral del teatro los ecos de la insuficiencia del actor-personaje ante las exigencias de la vida.
Se puede percibir en la voz de este actor la confluencia mencionada por Albert Camus, según la cual la voz “es a la vez del alma y del cuerpo”. Inspira la verdad para la cual las ondas sonoras que la animan son esenciales, especialmente el hecho innegable del asombro de la conciencia vacilante ante las fuerzas que se superponen a la identidad fragmentada de este extraño en la tierra, de este exiliado del mundo, de este apátrida que encuentra en el cuerpo de este actor su expresión.
Aunque el espectáculo tuvo lugar en invierno, el calor solar que se propaga desde el escenario sofoca la oscuridad del teatro. Nos aplasta la misma niebla que persigue exhaustivamente a Meursault en la trama. Puedes sentir el refresco de un baño en el mar de Argelia. Las escenas piden la invasión de paisajes y sensaciones, reflejando la forma en que Meursault experimenta la vida, vaciando su contenido subjetivo: a través de sensaciones corporales. Albert Camus contrasta la vida dichosa percibida en la epidermis con el impacto de una bala, subvirtiendo el equilibrio de un feliz día de playa, interviniendo la locura histórica del hombre en la naturaleza. ¿Cuántas veces el hombre no ha sabido repetir su condena?
El extranjero de Albert Camus se instala en esta extraña experiencia de la conciencia de que la vida transcurre a pesar de todos los deseos de justicia y corrección de la realidad por parte de los hombres serios. Es el sentimiento de que no pertenecemos al hogar que debería ser el más familiar, en definitiva, de nuestro propio yo. Esta ambigüedad dentro de la identidad explora el desapego del exiliado de la realidad y la subjetividad fragmentada. Destaca la sensación intrigante en la que se materializa el absurdo, gran tema de Albert Camus, la relación desproporcionada entre la necesidad humana y el mundo sin sentido que la rodea, como realidades que luchan por superar un acuerdo artificial. Meursault, a su vez, se lanza al completo abandono, al encuentro natural de su ser, inmerso y gobernado según las fuertes sensaciones de la naturaleza.
Hay, por tanto, una búsqueda de un encuentro, un roce, un baño en el mar, un labio sincero, un beso de Marie –que, aunque fantasmal y cálida en la imaginación, no está presente en escena. Sin embargo, el exceso de sol sobre la cabeza de Meursault hace que “todo se tambalee”. Un encuentro casual con un árabe que lo desafía, combinado con la intensidad del sol, provoca una lágrima salada de sudor que le quema los ojos, simbolizando la ceguera y la muerte. Acaba de asesinar a un árabe anónimo.
Luego tiene lugar un juicio absurdo que examina las banalidades y las mezquindades de Meursault, es decir, todos los aspectos de su vida. Esta percepción trivial es utilizada para justificar su crimen y su castigo, revelando la insensibilidad cognitiva y moral que impregna su existencia. Condenado a muerte, pasamos unos días –o mejor dicho, unos minutos– con Meursault en prisión, siendo testigos de su rebelión de confrontación contra el sacerdote que lo atormentaba con promesas de salvación eterna.
Meursault se rebela contra las ilusiones humanas y, al mismo tiempo, está inmerso en una comprensión profundamente encarnada de sí mismo y situado en la extrema brevedad de su tiempo. ¿Qué sucede en el último segundo en la mente de un condenado a muerte, a la espera de la guillotina? Al final, para Meursault, no importa si vive para siempre o muere dentro de diez o veinte años; sucede lo mismo. Fue demasiado lejos en su vaciamiento psíquico. ¿Hay culpa en esto? Está vívido, consciente, aferrado a la tierra quemada de la que no puede desprenderse.
Sin embargo, es culpable no sólo del crimen, sino de todo: de haber internado a su madre en un asilo, de haber mostrado insensibilidad en el funeral y de haber sido cómplice, aunque fuera por mera conveniencia, de la violencia conyugal de su amigo. Es culpable de todo y, por tanto, su sentencia es la muerte. Es culpable de no haber pensado en nada más desde el día en que su madre, aunque menos culpable, cumplió la pena indicada en la nota. Pero, si hay un culpable, es el sol que le da en la cara, la imagen brillante del cuchillo del enemigo, el movimiento de sus dedos sobre el revólver. El exceso de sol y el encuentro con el árabe culminan en un juicio absurdo que examina la banalidad de su vida como las verdaderas condiciones de su crimen.
En prisión, Meursault, ante el sacerdote, se opone a Dios por ser un aliado inveterado de su tiempo, desconcertando el presente y todas las sensaciones que le golpean en la cara y dice que si pudiera elegir otra vida, le gustaría tener una. que podría recordar el mismo en el que vives actualmente.
La obra alcanza la ridiculez de la monotonía. Sin embargo, logra crear las sensaciones acaloradas que rodean a Meursault. Nos hace sentir las curvas y las caricias de Marie, la sinergia con las olas del mar, podemos ver, en todo momento, los paisajes de Argelia, donde se desarrollan los hechos. La obra se desarrolla en invierno, en un teatro predominantemente oscuro y todavía nos sumerge en la imaginación en un aire pesado, iluminado y viciado.
Este sentimiento de estar en la cabeza de Meursault, propio de la obra y de la función del único personaje/narrador, también nos invade, nos molesta, demuestra cómo nos adormecemos ante tantas costumbres e ilusiones que, si pudiéramos ver de verdad, nosotros mismos, nos angustiaríamos y si pudiéramos sentir la disonancia entre la realidad y nuestras expectativas, esta desproporción de lo absurdo, observaríamos cómo estas ideas pueden colapsar los escenarios de nuestros pensamientos.
La indiferencia que se impone incluso en el entorno más oscuro es saber que no hay verdad en las cosas serias y lo que cuenta es la sensación de que la distancia y la soledad nos acercan a una extraña certeza en la naturaleza. Es absurdo dejarse llevar por los ritmos de la naturaleza y sus sensaciones. La naturalidad con la que se lleva a cabo la indiferencia es desproporcionada, sin embargo, es astuta porque es superficial y profunda, en el fondo de una luz, porque le devuelve el equilibrio, porque llena su ser vacío con las brumas del mar, sin embargo , sin saber todavía lo que le deparará el vagar de tal suerte.
La pieza destaca por explorar la desconexión con los significados racionales de la realidad, enfatizando un significado natural que superpone la mortalidad a la vida eterna. Aunque el espectáculo está preocupado por la interconexión entre lo metafísico y lo físico, esta conexión se vuelve clara en raros momentos, ya que la obra nos permite sentir lo absurdo en momentos de pensamiento ordinarios y a veces vacíos. Este sentimiento de lo absurdo de la existencia banal queda intensamente resaltado por la actuación de Guilherme.
Cuando Meursault se rebela contra el sacerdote, la sencillez del personaje, acentuada por los gestos del actor, que levanta la vista hacia el fondo del teatro hacia el haz de luz que lo ilumina, nos recuerda al cínico filósofo Diógenes respondiendo a Alejandro. el Grande: “No quiero nada de ti, sólo que te alejes de mi sol, porque me estás haciendo sombra”. En otras palabras, Meursault revela, en carne, sangre y voz, la angustia de sentirse extraño en el mundo, salvo la presencia del cuerpo que lo acompaña y lo desplaza de las necesidades que resuenan en la subjetividad. El exuberante poder de la naturaleza se refleja visiblemente en el rostro del actor.
La disputa entre Meursault y el sacerdote está marcada por una intensidad visceral. Con un solo haz de luz, la pieza nos revela, a través de los barrotes de la prisión, el cielo que observaba Meursault. La escena evoca la letra de Caetano Veloso: “Cuando estaba preso / En una celda de la cárcel / Fue entonces cuando vi por primera vez / Aquellas fotografías / En las que apareces entera / Pero allí no estabas desnuda / Sino, cubierta de nubes / Tierra / Tierra / Por muy distante que sea / El navegante errante / ¿Quién te olvidará alguna vez?”
La obra de Albert Camus no deja de manifestar esta libertad que no está del todo disociada de la necesidad. La libertad en Camus no está separada del deseo de encontrar un sentido para seguir viviendo, por el contrario, desafía el correlato existencial de su objeto demandado. La necesidad de significado no implica la existencia necesaria de significado. La existencia del hombre es la forma de un pensamiento que insistentemente se sitúa en desplazamiento, desconectado de las relaciones causales que el pensamiento requiere.
De esta manera, se preserva el carácter universal y abstracto de la nostalgia, pero no se entiende su posibilidad, al menos según las exigencias del razonamiento en su sentido estrictamente lógico, sino degradada por una estética que se entrelaza con la naturaleza. Es una comprensión de la vida que trasciende las categorías del razonamiento intelectual, abrazando una identidad que incluye el entorno, la naturaleza, lo externo y lo inhumano, que no responde a las súplicas de una persona desesperada.
En este contexto, el cuerpo del actor-personaje adquiere una posición ontológica significativa en la obra, ilustrando el drama del destino humano y ofreciendo una experiencia concreta del tiempo y la presencia, amenizada por una luminosidad solar en la imaginación. La vitalidad del personaje y de la obra se confunde con la del sol.
Al final, el espectáculo deja una huella profunda: el éxito del actor en el desafío propuesto por el director, la actuación de Guilherme logra la síntesis ambigua de la obra, el autor y el oficio del actor. El resultado es una representación poderosa e íntima que refleja la imagen literario-filosófica de Albert Camus y la vitalidad del teatro, que era su pasión.
*Pablo Petravicius Vieira Es estudiante de doctorado del Departamento de Filosofía de la Unifesp.
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