por RUBENS RUSSOMANNO RICCIARDI*
Tenemos que valorar organismos públicos estables como el del Teatro Municipal de São Paulo, para que haya muchos como este en todo el país.
Tengo una relación afectiva con el Teatro Municipal de São Paulo. Estaba ahí, tocando el Polaco militar de Fryderyk Chopin, a los 13 años, en 1977, que interpreté por primera vez en público -en un concierto bajo la dirección artística del maestro Rubens Leonelli-. A partir de 1979, fui alumno del director Olivier Toni, un ex fagotista de la propia Orquestra do Theatro, quien me contó historias inusuales sobre esa institución, incluidos los inolvidables conciertos dirigidos por Heitor Villa-Lobos.
Comencé a asistir a conciertos y presentaciones de ópera en el Teatro Municipal desde los últimos años de la actuación del maestro Roberto Schnorrenberg. También fue allí donde comencé a entender la música en un contrapunto intrigante entre lo viejo y lo nuevo, entre lo regional y lo cosmopolita, entre lo clásico y lo experimental. Incluso cuando vivía en el extranjero, siempre intentaba informarme sobre su horario.
De todos modos, la buena noticia que me impulsa a escribir este artículo es que el Teatro Municipal de São Paulo vive actualmente su mejor etapa, alcanzando un extraordinario nivel técnico-artístico. Es importante, en un país con complejo mestizo como Brasil, que haya espacio no sólo para las críticas, aunque imprescindibles, sino también para los elogios a emprendimientos y logros de importancia histórica.
Tenemos que aprender a valorar no sólo nuestros talentos, sino también nuestro potencial en las grandes artes, aquellas solemnemente ignoradas por la prensa más respetable, que dedica su idolatría pseudointelectual exclusivamente a la industria cultural. En una palabra, en nuestro país los escenarios de ópera –cuya naturaleza artística es extrínseca a la industria cultural– rara vez son considerados. Aún así, los raros comentarios tienden a ser críticas injustas o meramente destructivas. Tenemos que revisar esta situación contraproducente.
La historia de la ópera en São Paulo se remonta al siglo XVIII, al menos a la época de Morgado de Mateus, gobernador y mecenas de la Ilustración. El maestro de capilla “obrero” más antiguo (se decía, en la época colonial, el músico que trabajaba en la ópera) que conocemos, Antônio Manso, trabajó en la Sé y en la Ópera de São Paulo en los años 70 del siglo XVIII. siglo . Nacido en Sabará y habiendo trabajado anteriormente en Bahía, Antônio Manso fue elogiado por el entonces gobernador Morgado de Mateus por la calidad artística y la modernidad de su repertorio: “dotado de las mejores solfas de buen gusto del momento actual” – recordando que solfas Son papeles con notación musical. La antigua Ópera de São Paulo estaba ubicada junto a la Iglesia de los Jesuitas en el Pátio do Colégio. Fue demolido en 1870 y existió durante aproximadamente un siglo.
Entre los antiguos teatros paulistas ya olvidados, la misma trágica suerte marcó también otros dos teatros de ópera anteriores al Theatro Municipal: el primer Theatro São José – en la actual Praça João Mendes, funcionó entre 1864 y 1898 y fue destruido por un incendio – un notable escenario de los abolicionistas, donde se recitaron versos de Castro Alves y donde se rindió homenaje a Luiz Gama autopsia; y el segundo Teatro São José – en funcionamiento sólo 10 años, entre 1909 y 1919, habiendo sido demolido por la Cia Light en 1924 y en su lugar hoy se encuentra el Luz de compras.
Inaugurado en 1911, por su arquitectura monumental, el Teatro Municipal se convirtió y sigue siendo el mejor espacio físico operístico de la ciudad de São Paulo. Sus excelentes estructuras se encuentran hoy en perfecto estado de conservación y uso.
Lo que más nos interesa aquí, sin embargo, es que las virtudes estructurales también van acompañadas de una dirección artística nunca antes experimentada en São Paulo. Desde que asumió el liderazgo musical del Teatro Municipal, en 2017, el maestro Roberto Minczuk ha estado facilitando algunos de los proyectos operísticos más exitosos de Brasil: El Rosenkavalier por Richard Strauss, El amor de las tres naranjas por Serguéi Prokófiev, El barco fantasma por Richard Wagner La Fanciulla del Oeste por Giacomo Puccini, La Traviata e Rigoletto de Giuseppe Verdi (con la brillante dirección de Jorge Takla) se encuentran entre las producciones más destacadas.
También hubo nuevos encargos para nuevas óperas: Navaja en la carne por Leonardo Martinelli y Hombres de papel de Elodie Bouny – ambas composiciones con libretos inspirados en dramas de Plínio Marcos.
Quizás la mejor puesta en escena de El Guaraní por Antônio Carlos Gomes en todo momento – no sólo por el altísimo desempeño técnico-artístico que involucró a los cantantes y la orquesta en la interpretación/ejecución musical, sino también por la inserción de la iconografía artística y el pensamiento crítico de Ailton Krenak, contextualizando la obra de José libreto de Alencar en el mundo indígena –es decir, al que pertenece la historia de hecho y de derecho–.
Recientemente, el maestro Roberto Minczuk estuvo al frente de otra alta Rendimiento artístico con Madama Butterfly de Giacomo Puccini. Por supuesto, el lugar de expresión del artista es el universo entero, del mismo modo que la historia de las artes es la historia de las apropiaciones culturales. Así como no existe un lenguaje puro, como todo lenguaje es metafórico, tampoco hay gran arte sin sabor en el lenguaje como resultado de una distancia crítico-inventiva en relación con la cultura de origen. No sorprende, por tanto, que Puccini, compositor toscano, en su trascendencia inventiva, narre una tragedia japonesa que involucra a los personajes Pinkerton y Cio-Cio-San (Madame Butterfly): él, un teniente yanqui-estadounidense de la Marina de los Estados Unidos; ella, una geisha japonesa.
No sólo por el conglomerado de sonidos apropiados y revisitados, como el Himno de Estados Unidos o la canción popular tradicional japonesa Sakura Sakura, pero especialmente a través de su innovación armónica (superando la funcionalidad tonal), melódica (llevando la emancipación de la melodía romántica a sus últimas dimensiones) y orquestal (experimentando con nuevos timbres y combinaciones), Puccini expone un mundo musical que siempre está presente en nos contagia y conmueve.
Aunque el drama está ambientado en Nagasaki, a principios del siglo XX, de ninguna manera Madama Butterfly puede considerarse una ópera anticuada, y mucho menos condenada a la obsolescencia: debido a esta admirable interpretación/ejecución en el Teatro Municipal de São Paulo, que involucra tanto la escena como la música y resalta el dinamismo de su lenguaje, la obra sigue siendo sugerente, sorprendente y nuevo.
La dirección escénica de Livia Sabag merece elogios. He sido testigo de una serie de producciones, no sólo en Brasil, sino también en otros países, en las que los directores de escena parecen confundir, en el mundo de la ópera, la poiesis (el proceso inventivo de creación de una obra de lenguaje: oficios del compositor, del libretista o autor teatral, del coreógrafo, etc.) con el práctica (la interpretación-ejecución de la obra: deberes del director, del cantante, del instrumentista, del bailarín, del actor, del director de escena, etc.).
Por supuesto el práctica en la puesta en escena, al no tener solfa, es necesariamente más inventivo que en la música. Pero todavía existen límites a la interpretación. Quienes inventan el lenguaje de la obra son el compositor y el libretista, no el director de escena. Como no existen dos puestas en escena idénticas de una misma obra, la libertad e incluso la innovación experimental, por la inevitable idiosincrasia de cada director de escena, no pueden confundirse con una batalla campal –como si de una misma surgiera otra obra diferente–. práctica frívolo. A práctica el arte, por el contrario, es un ejercicio hermenéutico que pretende comprender y priorizar la poíesis. Por lo tanto, práctica No puede ni debe distorsionar, y mucho menos aniquilar, el lenguaje de la obra.
En el caso de la mudanza Madama Butterfly de Livia Sabag, tenemos una producción que pone en valor la poiesis de Puccini y sus libretistas: entendió el mundo de la obra como una interacción histórico-ontológica y extrajo de él los movimientos corporales y existenciales más expresivos. Puccini fue aún más Puccini con su puesta en escena.
Todo el equipo actuó perfectamente integrado, permitiendo una hermosa unidad visual y expresiva en la puesta en escena – una colaboración muy exitosa con el Teatro Colón de Buenos Aires: Nicolàs Boni (escenografía), Caetano Vilela (iluminación), Sofia Di Nunzio (vestuario), Matías Otálora (vídeo) y Tiça Camargo (visagismo).
También se destaca Maira Ferreira, el director de la Coral Paulistano, que también se encuentra en su mejor momento. Los cantantes principales también estuvieron espléndidos, con énfasis en Carmen Giannattasio (Cio-Cio-San / Madama Butterfly) – una de las voces más bellas y expresivas que hemos escuchado aquí en Brasil – y Celso Albelo (Pinkerton), perfecto tanto vocalmente como en términos de drama escena. Los actores secundarios Ana Lucia Benedetti (Suzuki) y Douglas Hahn (Sharpless) también estuvieron impecables.
Otra buena noticia fue la memorable actuación de Jean William (Goro). Recientemente, el rector de la Universidad de São Paulo, Carlos Gilberto Carlotti Júnior, afirmó que uno de los orgullos de nuestra universidad, en los últimos años, ha sido su potencial para brindar un amplio acceso a la enseñanza y a la investigación de calidad. Así, en muchas familias menos favorecidas, por primera vez, uno de sus hijos logró estudiar en la USP, en un proceso con fuerte potencial para transformar no sólo la vida del USPiano, sino también la de su familia e incluso la de toda una comunidad. .
Jean William, nacido en Barrinha y nieto de Joaquim Apolinário, un vaquero de las plantaciones de caña de azúcar de Alta Mogiana, fue el primero de su familia en graduarse en la USP. Fue nuestro alumno del Curso de Música de la USP en Ribeirão Preto – se graduó en la clase de la profesora Yuka de Almeida Prado. No hay nada más gratificante para un docente cuando su trabajo hace posible una carrera tan exitosa. ¡El éxito de Jean Willliam es el éxito de la educación pública gratuita!
Finalmente, la dirección musical de Roberto Minczuk, al frente de la Orquesta Sinfónica Municipal en las actuaciones de Madama Butterfly, nos pareció preciso en los movimientos, extremadamente cuidadoso en cada detalle, obteniendo un perfecto equilibrio entre orquesta, coro y solistas -ya sea en las intensidades más fuertes o más suaves-, siempre atento a las sutilezas de la escritura musical de Puccini y a las alternancias en la atmósfera escénica. . Roberto Minczuk es otro excelente ejemplo de artista de práctica (director de orquesta) que no sólo entiende el lenguaje del artista de poiesis (compositor) en sus cuestiones técnico-estilísticas, cómo sabe conducir, con la más brillante y virtuosa expresión, la ejecución de sus sonidos.
Debido al actual nivel artístico del Teatro Municipal, no sólo hay que felicitar a São Paulo, sino a todo Brasil. Tenemos que valorar organismos públicos estables como el del Teatro Municipal de São Paulo, precisamente para que haya muchos como este en todo el país.
*Rubens Russomanno Ricciardi Es profesor del Departamento de Música de la Facultad de Filosofía, Ciencias y Letras de Ribeirão Preto-USP y director de orquesta de la Filarmónica de la USP..
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